9.12.2016

Un sueño llamado Soda Stereo – Capítulo 3: En Camino

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Rock en tu Idioma fue el nombre con el que se conoció la movida que harían gran cantidad de empresas disqueras o compañías influyentes en el medio musical para que muchos grupos que estaban en el entorno underground, salieran a la luz con el fin de representar con su música a los países de donde eran originarios…además de implantar una identidad clara para lo hecho en Latinoamérica y España.

El grupo iba creciendo poco a poco, convirtiéndose en una gran influencia de esos años

Y Soda Stereo no sería la excepción. Es más, fue una de las agrupaciones que más salió beneficiada del movimiento ya mencionado; pero cabe aclarar que ya de por sí, antes de que se diera el boom, ya habían tomado vuelo y popularidad gracias a las ventas de sus álbumes, su aparición en medios y, sobre todo, sus giras.

La campaña trajo a muchos grupos del medio underground para que pudieran ser conocidos en el medio artístico

La gira Nada Personal trajo el crecimiento del éxito rotundo, que curiosamente fue inversamente proporcional con el manejo de la relación de Gustavo con su novia Tashi. Cada vez había más distancia más marcada entre ambos, además de que Gus siempre tuvo activado ese espíritu de mujeriego el cual le permitía entablar una conexión con una mujer diferente, atractiva a su manera y que lo terminaba cautivando. En una fiesta, el sueño acabó para Tashi y Cerati había conocido a una nueva señorita: Noelle Balfour.

Lo anterior no duraría mucho: Noelle era una mujer que no resistía la vida de rockstar que llevaba Soda y simplemente no se sintió capaz de continuarlo más. Fue algo muy fugaz y el donjuán intentó regresar con su primera chica, con resultados totalmente desastrosos.

Noelle Balfour: Una de las novias de Cerati. Alta experiencia en entretenimiento para adultos (Revista, Películas). Ah sí, también traductora chafa de los Guns and Roses

Después de todo el anterior lío amoroso, volvemos a la difusión de Soda. Alfredo Lois (su compañero de universidad) viajo por distintos países de Latinoamérica en busca de que la banda empezará a sonar en las distintas emisoras y cadenas de TV locales de cada nación. Perú, Chile, Venezuela, Colombia: En todos se mostraron las presentaciones grabadas de la gira Nada Personal y el sencillo Sobredosis de TV del primer disco. Ciertos resultados fueron buenos al instante, otros tomaron más tiempo y en Chile, lograron ser las mayores estrellas del medio musical frente a la censura que el régimen de Pinochet hacía a los grupos locales.

Mientras se encontraban en una lista larga de conciertos aún bajo el sello de Nada Personal, ya salía a la venta el tercer álbum del grupo de Gustavo, Charly y Zeta: Signos. De impacto eran todos los fanáticos que recibían a la banda en cada sitio del continente: Destacando especialmente a Santiago de Chile, debido a que el movimiento musical permitía alejarse del sufrimiento de la realidad dictatorial que vivían, y por supuesto fue un boom.

Proyecciones altas, resultados muy elevados

En el caso de Colombia (el país de origen de este servidor), tocaron por primera vez el 6 de noviembre de 1986 en la Plaza de Toros la Santamaría ubicada en Bogotá, donde también inspiraron a una nueva cultura de jóvenes que crecerían escuchando Rock en español y que vivirían el más grande concierto del género de toda América Latina…pero eso será para después…

Disco de Platino desde su salida. Influyentes de toda la música tanto en Argentina como en varios países más. Esa era la realidad de Signos, que en mi opinión personal se merece el título del 3° Mejor Disco de Soda. A continuación: --El análisis—

Signos (1986)

1.  Sin sobresaltos
2.  El Rito
3.  Prófugos
4.  No existes
5.  Persiana Americana
6.  En camino
7.  Signos
8.  Final Caja Negra

Autores: Cerati (Todas las canciones), Bosio (1, 8), Alberti (3, 6, 8), Isabel de Sebastián (6) y Jorge Antonio Daffunchio (5)

Para comenzar, podemos notar a simple vista que es el álbum de estudio de Soda Stereo con menos tracks en su haber (8), algo que con el paso del tiempo iría aumentando de una manera justificada y coherente. Es un disco muy ochentoso, con matices que demuestran los sonidos de la época (sobre todo la instrumentación presente en cada canción). También se caracteriza por encarnar un ambiente más oscuro que el de su predecesor, notándose una clara evolución en el mensaje y calidad de sus letras y arreglos instrumentales.

¿Por qué es un favorito de muchos, incluyéndome? Porque tiene una esencia que caracteriza de una forma muy completa a la época en la que el disco se desarrolla. Existe empatía, desarrollo y trabajo que se muestra en cada uno de los tracks a través de la calidad propia de cada uno de estos. Afirmo con certeza que no se salva de las falencias típicas de un álbum de rock en español, pero resalto también con seguridad que es uno de los trabajos mejores hechos de la década en América Latina.
Ya a partir de este álbum, Soda Stereo ha construido su propia e inimitable esencia.

Sin sobresaltos es un comienzo muy alegre y claro para el tipo de disco que abre, pero no es algo que se le pueda criticar. El sentido de la letra es algo confuso, pero me gustaría inclinarlo más hacia la entrada al mundo de la fama que el grupo se encontraba experimentando en ese momento (tema que luego tocarían en Lo que sangra (La Cúpula)). Básicamente, el track es una prueba de lo que el disco puede ofrecer a lo largo y ancho de sus 40 minutos de duración. Una instrumentación potente y para nada hostigante. Muy buena.

"Nadie perturbará tus sueños querida; todo está justo, todo estudiado... Equilibrado"

El Rito nos introduce de lleno en el misterio en el que este álbum quiere hacer su mayor enfoque. Desafiando mitos, la canción logra ser un deleite lírico en su mayoría, con unos arreglos de instrumentos que resaltan al principio de la canción; no obstante, luego se mantienen demasiado estables y sin una emoción sobresaliente. Aun así, sería un error considerarla como mala debido a la manera efectiva en la cual transmite su paranoia. Un tesoro en el disco.

"Ya lo sabes, nada es casualidad"

Seguimos con Prófugos, uno de los favoritos del público, y desde los primeros segundos se hace notar el porqué de gustarle tanto a los fanáticos o a cualquier aficionado al rock en español. La fuerza que transmiten tanto la batería como la guitarra (además de ciertos sintetizadores) es constante y acorde con el mensaje de la canción: Huir a toda costa. Es fascinante y muy buena.

"Tus ojos nunca mentirán, pero ese ruido blanco es una alarma en mis oidos"

¿Cuál es mi problema con No existes? Realmente no es nada grave…sin embargo, debo decir que es el track que menos resalta del disco a mi parecer. Sé que varios fanáticos van a ponerse histéricos, pero después de escuchar la canción demasiadas veces en distintos momentos y emociones, no le hallo el factor “especial”. Tiene una letra muy tenaz, seria y madura; sin embargo, ese es el único atributo rescatable que le puedo sacar. Tiene muy poca instrumentación que en verdad pueda resaltar y a mi parecer queda rebasada frente a otras piezas que son un deleite del álbum (Por ejemplo: En camino o la misma Signos). Es regular a más no poder.

"Como un extraño tic nervioso. Arrojo palabras...gestos contra la pared"

A continuación, tenemos la archifamosa Persiana Americana. Uno de los himnos más reconocidos del grupo, y no es en vano…debido a que la canción es increíble y asombrosa en todas las maneras. Desde las líricas de la canción, que hablan sobre un hombre voyerista con ansias de saber hasta que límites puede llegar; hasta la misma composición rítmica e instrumental de la canción: rockera en cierto sentido, pero con tintes ochenteros propios de lo que se puede encontrar en el disco. Buena, y demasiado épica, a decir verdad.

"Tus ropas caen, lentamente. Soy un espía, un espectador"

En camino habla del futuro, del destino que las personas vamos a afrontar tarde o temprano en nuestras vidas, pero con la presencia de alguien especial que será factor clave en ese recorrido. Una de las mejores composiciones del álbum (agradecimientos totales a Isabel de Sebastián) debido a su emotividad realista que no cae en la cursilería de otras bandas. La parte instrumental… ¡Oh Dios! En verdad es un completo deleite y es una de las piezas medio desconocidas del grupo que vale la pena revisar. Muy buena, y bien podría ser mi favorita de todo el álbum (a pesar de que no es una joya como el Rito).

"Por favor, no leas el cartel, ni anuncios de ayer. No puedo esperarme hasta fin de siglo"

Vamos con el tema homónimo: Signos. El misterio y la incertidumbre presentadas en El Rito se continúan desarrollando de una manera aceptable en esta canción, en donde la parte más destacable son los arreglos instrumentales…que logran traer a colación ese desasosiego y la sospecha que ya se ha venido trabajando con anterioridad. En los últimos días le he estado perdiendo el gusto en pro de seguir conociendo el material oculto de Soda; no obstante, sigue siendo una pieza bien trabajada. Buena, con tintes que la hacen tender a ser muy buena.

"Uniendo fisuras, figuras sin definir. ¡Signos!"

Y el cierre está a cargo de Final Caja Negra. Como en la línea de El Rito y Signos, esta nos deja con emociones de vacilación y recelo que se pretenden hacer sentir mediante este álbum agonizante. Es medio desconocida también, y a pesar de que lo instrumental no sea su fuerte (incluso puede flojear en esta parte); evita desentonar con lo ya constituido por el disco para entregarnos una mezcla sutil de optimismo, misterio y un poco de… sorpresa, tal vez. Buena, pretende en algunos momentos ser una joya sin lograrlo en su totalidad.

"Y sin embargo, aún puedes abrir tu caja negra"

Creo que la introducción a Signos y el análisis de cada track dejan claro el porqué de su favoritismo exagerado. Aun así, creo que sólo es el 3° debido a dos simpáticas piezas que a mi parecer la superan con creces: Una es alabada y la otra es medio odiada. Espérenlas en las siguientes partes.

La gira Signos abrió puertas para que se volvieran cada vez más famosos en el medio del rock latino. La vida de estrella de rock también tenía sus contras: Andar escondido, cuidarse de las adicciones de los fans, farándula, entre otras hermosuras… Conquistar un continente no sería fácil, y la llegada a México sería el gran desafío que la banda afrontaría para consolidarse como el grupo de rock latino más influyente de la época.

Lo que sigue en esta historia será emocionante. Pronto nos veremos!

Hablar de lo que sigue toma tiempo. Es un estilo un poco diferente al notado aquí. Sin embargo, tiene su magia y su toque característicos. Además: “Siempre quisimos esta Doble Vida”

Den +1, Compartan y Comenten. ¡Sería una grandiosa ayuda! Hasta la próxima.



“Ahora el fin marca otro inicio”

9.11.2016

Incomprendidos por doquier: Illya Kuryaki & the Valderramas

Proximamente...
¡Se viene algo grande!

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Hablar de este dúo de artistas argentinos que se basan en el funk, el soul, el rock y el rap no es fácil. Es un grupo que tienen una carrera cubierta de distintos matices, que es demasiado complicado saber si en un pensamiento general logran llegar al nivel al que algunos críticos suelen llamar “De culto”.

Disculpen a este servidor… Si querías un análisis híper detallado a cada punto de la carrera de la siguiente agrupación, este no es el artículo indicado; sin embargo, si por ahora quieres un análisis corto, pero mentalizado de la influencia que ha establecido el ya mencionado grupo…Te invito a que te tomes una bebida bien fría (o caliente si estas con un día muy mamón) y que disfrutes de la siguiente entrada.

Dos grandes mentes unidas en un proyecto aún incomprendido: Illya Kuryaki & The Valderramas

Ellos son Illya Kuryaki and the Valderramas (o IKV), dos chicos que se criaron en contacto directo con el medio musical argentino: Dante Spinetta (hijo del Flaco Spinetta) y Emmanuel Horvilleur (hijo del fotógrafo Eduardo Martí). Desde muy pequeños se inculcaron con el don de aportar sus pensamientos al vasto mundo de la música e iniciaron con parodias y sátiras propias de niños de su edad (12 años).

Una parodia a Menudo (Pechugo) que interpretarían algunas canciones de Luis Alberto Spinetta junto a familiares y amigos de sus mismas edades. Sin embargo, tanto Dante como Emmanuel querían romper barreras: hacer algo nuevo, manifestar sus burlas y pensamientos por medio de su propia versión del cuarto arte, mas no una simple parodia. Así nacieron Illya Kuryaki and the Valderramas con su primer álbum: Fabrico Cuero en 1991.

Con esta cosa comenzó el trayecto variado de los Valderramas. Es un tanto raro...

Es un disco de un género que no creo que adivinen porque es tan impredecible (sarcasmo, sarcasmo). Al parecer, estos chicos que rondaban los 15 años no sabían que el género que cantaban ya se hacía e incluso era bastante popular en el medio anglosajón. Era algo conocido como rap…y los Valderramas, afirmaron con su propia tenacidad: “Sí, entonces hacemos rap”.

¿Qué puedo decir del debut? Es algo lamentable, pero al menos se arriesgaron a desafiar los esquemas en su país. Digo que es lamentable porque veo una instrumentación muy básica (algo que luego mejoraría el dúo con el tiempo) … sólo una o dos canciones son la excepción a la regla. Además, que, frente a alternativas presentes en otros países, lucen bastante básicos. Las letras tienen mensajes maduros y serios, pero con cierto toque juvenil característico de los intérpretes. Al final, creo que en el entorno musical tuvieron un poco de razón en reiterar la fama prestada que los recién formados Kuryaki tenían de sus padres…todo basado en este álbum.

Recomiendo la canción homónima: “Fabrico Cuero” porque es el mejor producto de los 7 en el disco. Y porque el espíritu juvenil y de revolución musical se nota con más fuerza en esta pieza. (A esa edad tenían un repertorio de baile que ni se imaginan… Espíritus libres).

Una presentación extravagante con un primer trabajo muy básico. Revolución Musical (¡Que pasos!)

Dos años después llegaría Horno para calentar los mares. Hubo cierta mejora y evolución frente a su predecesor: Una mirada menos naïf, pero con la misma sátira de antes. Una instrumentación más consistente y, sobre todo, variada (aunque en algunas canciones no se nota tanto, o ni siquiera pasa). Aun así, con mucho ánimo es un disco que se deja escuchar fácil y se disfruta; no obstante, no se deja de lado que es el LP musicalmente más duro de los Kuryaki.

El segundo mejora muchas falencias del pasado. Se empieza a manifestar la variedad musical de la agrupación

Y aquí tenemos a “Virgen de Riña”, mi recomendado personal. Si bien es una balada con estilo más suave que el resto del disco, es verdaderamente un deleite para mis oídos. Lastimosamente, la discográfica Polygram no quiso seguir respaldando a la banda… Por esta razón, el siguiente trabajo de Illya sería posible gracias totalmente a los ahorros de ambos chicos. Y el éxito se manifestó…

Una pieza suave que resalta en un mundo serio y duro...

El éxito masivo se manifestó con Chaco, en mi opinión el segundo mejor álbum de IKV. Confirmaron que tenían una identidad propia, una esencia a desarrollar, unas letras para disfrutar de inicio a fin, unos arreglos instrumentales particulares y únicos, un todo en la cima del triunfo. Ahora Gigolo Productions (sello discográfico creado por ellos mismos) se encargaría de difundir los éxitos salientes y futuros del dúo, y este fue su primer impacto directo al entorno musical.

El comienzo del éxito masivo. El medio latino se revolcó (literalmente) con este buen disco.

No es una maravilla, pero en serio se nota la continua evolución que Dante y Emmanuel desarrollaban con esta pieza. Varios géneros con potencial son aprovechados fuertemente por el dúo: Funk, Rock, Hip Hop y hasta Alternativo. La irreverencia y el aspecto refinado de los Kuryaki se hacía presente desde Chaco (su inicio) hasta Nacimiento (el track final). Los sencillos promocionales (Abarájame y Jaguar House) fueron un hit por el significado que tenían en el medio de esa época. Ya eran un boom, pero sabían que tenían que avanzar con los trabajos que quisieran realizar después.

“Hermoza from Heaven” y “Jaguar House” son mis recomendadas del álbum más conocido de los Valderramas. Una suave balada de reflexión (Hermoza) y una casa de sonidos funky y de soul llevados hasta el límite (La casa jaguar).

Refinado, con estilo, pero conservando el sonido realmente urbano. Eso es Jaguar House!

Ah, cierto... El Unplugged. Ninja Mental se convirtió en la invitación que los Valderramas recibieron de parte de MTV para que el medio los difundiera a través de todo Latinoamérica. En la 8° vez en la que MTV presentaba un desenchufado con un grupo (o artista) de habla hispana, IKV demostró su gran potencia en vivo y con un ambiente totalmente desconectado. Destacan las reinterpretaciones de sus grandes éxitos de álbumes anteriores junto a una participación resaltable de Luis Alberto Spinetta.

Una oportunidad llena de relax, ambiente de hip hop en formato desenchufado

Tal vez en un futuro pueda hablar más a fondo de los MTV Unplugged de habla hispana.



Versión Acústica de "Hermoza from Heaven". Juzguen por ustedes mismos

Para mí, Versus es una obra de transición. Es claramente una continuación de lo dejado en Chaco, mezclado con la esencia de las referencias refinadas sexuales del futuro que les esperaba a los IKV. No he tenido el placer de escuchar todo lo que me puede ofrecer esta pieza, pero con lo que ya he podido ver puedo decir que merece aplausos y más.

Versus. Significa además de una transición: Una suciedad, una seriedad, una oscuridad...

Aunque no la considere como la gran obra de los Kuryaki, si debo admitir que refleja un sonido lindo, atrevido y sucio al mismo tiempo; con tintes únicos que logran colocar al grupo en una dimensión donde la innovación es lo que los caracteriza. El espíritu juvenil y adolescente sigue siendo la marca imborrable del álbum, pero a la vez existe una seriedad y una fantasía que te transporta a través de distintas escenas, las cuales son armonizadas de una manera bastante destacable.

“Jugo”, ese track tan simpático que te envuelve en el sexo y en la lujuria que te elevan a la cordura más alocada que pueda existir.

"Recuéstate aquí, el jugo caerá; al amanecer, te haré llover"

Llegamos a mi parte favorita de toda la trayectoria de los Illya Kuryaki. La que en mi opinión es su obra y punto máximo en la música: Leche. ¡¡OH DIOS MIO!! Es mi álbum favorito de Illya Kuryaki & The Valderramas, y por muchas razones. He aquí la justificación:

Desde la portada del álbum, un reverendo tabú en aquella época. Hasta fue censurada en ciertos lugares...

Leche es un compendio de irreverencia sensual, profundas emociones, espíritu adolescente que se puede tomar en serio sin parecer tan ridículo (sólo en ciertas ocasiones peca por satirizarse tanto), historias mínimas con trasfondo poético…Y un coro lleno de: “A mover el coolo, a mover el culo, a mover el culo, a mover el culo” (Bueno, lo último no tanto así jajaja).

Coolo (el primer sencillo) es en toda regla un tabú. Mucho funk, muy buena instrumentación y mucho movimiento de ya saben que... (¡A mover el culo!)

¿Y Chaco y/o Versus qué? Son álbumes muy disfrutables y con una esencia indiscutiblemente única; son piezas de buena calidad. Pero Leche considero que junta todas esas características, además de ser una obra adelantada para su tiempo. Dante y Emmanuel nos traen un producto con el que varios sentimientos salen a flote, la sátira está a flor de piel y el estilo vuelve a ser naïf, pero con un ambiente seductor, a veces corrompido, único e irrepetible por otros artistas (al menos por unos 15 años).

Si quieren que amplíe mi opinión sobre Leche, dejen su opinión en los comentarios del artículo. ¡Ahí los espero! :)

“Latin Geisha”, “Apocalipsis Wow” y “Lo que nos mata”. Tres recomendados para un disco excelente, una obra maestra con la que IKV confirmó su estatus de “agrupación de culto”.

El primer track de esta maravilla. Despierta el espiritu adolescente y el sabor del hip hop y del funk.

Apocalipsis Wow es más suave, pero no deja de tener el estilo y la esencia característica del disco.

La mejor canción de Leche por mucho. Una balada con mucho sentimentalismo y presión.

Lo que comienza un día tiene que terminar… Y el proyecto de Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur también tenía que hacerlo; no obstante, fue algo muy cuerdo y formal terminar lo hecho durante 10 años en buenos términos. Muestra de esto, es el último disco del dúo: Kuryakistan.

El álbum de despedida. Reinterpretaciones experimentales, pero no destaco mucho de esto

El último álbum del dúo es en su mayoría un recopilatorio y una reelaboración de canciones del pasado que demuestra la gran variedad a la que la agrupación se podía abrir. No propone innovación en casi nada, y es seguro que puedes saltarte este álbum a la hora de recorrer la historia artística de Illya Kuryaki… sin embargo, si estás interesado en entrar de lleno en este disco; te advierto de antemano que la experimentación está al tope.

Sobre las nuevas versiones, no puedo decir que hayan mejorado su esencia. En algunos casos la modifican de manera que no se sienta forzada, pero en otras ocasiones pueden arruinar la buena construcción que había en un principio. Y acerca del nuevo contenido, debo decir que son piezas buenas (a secas, sin algún valor agregado), continuando en partes el trabajo desarrollado en Leche, mezclado con claros tanteos en la electrónica, el hip hop y la balada.

Son canciones desconocidas, y no muy resaltables. La despedida no es fácil, y el álbum no manifiesta de una forma satisfactoria este evento. Aun así, destaco A-dios: Una balada emocional dedicada al manager fallecido del grupo: José Luis Miceli. Escucharla es una sensación encantadora.

Uno de los últimos sencillos de IKV. Una balada que muestra cierto avance desde su predecesor

¿Cuál es mi conclusión en general? Esta banda está a años luz de ser mala, debido a que nos ofrece en cada disco (o al menos en la mayoría) una renovada manera de innovar en la música a través de la mezcla de varios géneros como el rock, el hip hop, el rap (sus principios) y el funk (su culmen). 

Los comienzos y la consolidación de IKV nos demuestran las grandes ideas que tuvieron unos chicos que fueron creciendo alrededor de un ambiente en donde sí o sí, tenían que mostrar al mundo esas extravagantes ideas. Por lo cual, los valoro como una innovación casi constante, que aunque no sea para todo tipo de público, dan todo de su parte para que la evolución sea continua. Grupo bueno, con aspiraciones a ser muy sobresaliente... Ah sí, por si no queda claro: Innovadores y Adelantados para su tiempo.

Tarde o temprano el grupo renacería con un regreso algo cuestionable. Eso será para otra ocasión

Y aquí acaba este artículo. Cada integrante eligió su propio camino y durante 10 años vivieron alejados de aquel pasado que los volvió influyentes en la música latina. Se habían vuelto una leyenda viviente… Hasta que el ave fénix renació de las cenizas…

Espero que hayan disfrutado este breve recorrido a IKV, un gran exponente de la música realmente urbana en Latinoamérica. Nos veremos en una próxima ocasión.

Den +1, comenten sus opiniones y si quieren que haya una segunda parte de este artículo, además de compartir esto en sus redes sociales.



“Ahora el fin marca otro inicio”

9.05.2016

Primeras Impresiones de un Hereje sobre Blur

—Probando…1, 2 y 3… ¿Funciona?
—No estoy segura de que funcione, pero pronto habrá algo grande
—Primero tengo que solucionar todo lo de la Universidad. Pero tú sabes, más que nadie, que me quiero aventurar a lo que viene
—Sí, ya lo has repetido por enésima vez, ¿Sabes? También que no serás como “el sucio montón”
—La idea siempre será esa. Falta poco…

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Esto será corto (Bastante breve). Sin embargo, es algo que quiero compartir con ustedes porque… la sensación de ser un jodido hereje frente a hechos simpáticos que en el pasado no conociste (ya sea por la edad o la ignorancia) es demasiado agridulce.

Agrio por sentirte que “llegaste tarde a la fiesta” y Dulce porque “Al menos, lograste llegar”. Y después del uso excesivo de dichos y metáforas fuera de lugar en este blog, aquí sigue mi experiencia al haber descubierto una de las bandas más enérgicas y sinérgicas no sólo del medio anglosajón, sino en general de un mundo que poco a poco van influenciando con su música realmente buena. ¡Les presento (por si no lo conocían) al grupo inglés Blur!

James, Albarn, Coxon y Rowntree. Lograron la popularidad que los grupos británicos de esa época habían perdido gracias a las bandas gringas de grunge como Nirvana

La anterior mencionada es una banda de britpop y rock experimental conformada por Damon Albarn (voz, teclados, guitarra), Graham Coxon (guitarra y voz), Alex James (bajo) y Dave Rowntree (batería). Ellos 4 formaron este proyecto por allá en 1989 en la ciudad de Colchester, Inglaterra; y a partir de ahí comenzaron a sacar varios álbumes: unos ignorados, otros que simbolizaron la cumbre del dominio de la música, y otros que… se reinventaron.

Blur tiene en su haber piezas muy dignas de apreciar. Cada una, con su respectiva historia

¿Cómo los conocí?... Tengo que aclarar que conocí primero al proyecto que Damon Albarn hizo al lado de Jamie Hewlett desde 1998: Gorillaz. Había conocido a la banda virtual hace poco; y en verdad me había fascinado la ejecución de la idea, representada en cada uno de los álbumes que a la fecha habían lanzado (en especial “Plastic Beach”, una obra de culto de la música actual). Sin embargo, decidí ver más allá y analizar los proyectos que Albarn había hecho fuera del que ya conocía.

Plastic Beach. Una gran obra de culto. En el SuperAnálisis a Gorillaz, hablaré de esta joya

Junto a un vídeo de DEM (Deus Ex Magnifica); grupo conformado por Brandon Zamudio (Zamuthustra), Enrique Borbón y Chucho Calderón (La Zona Cero); que hablaba acerca de una historia repasada de la agrupación de britpop que me llamaba la atención por conocer; logré apegarme a escuchar todo lo que Blur me tenía por ofrecer.

Adivinen: DEM bajó el vídeo y ya no está disponible. Pero bueno, ya que...
Este es el susodicho vídeo. Junto con la parte 2, explican el peso que la banda tuvo no sólo en UK, sino en el mundo (Video hecho por DEM. Deus Ex Magnifica, 2015)

Esto aún no se cumple, debido a que me falta escuchar algunas de las producciones más significativas de la agrupación en su totalidad. No obstante, con lo que ya he podido observar, puedo estar muy seguro de que es un grupo que a su modo es representativo y (¿por qué no?) demasiado innovador.

Me encantaría mostrarles algunas de las canciones que han sido bastante significativas para mi, en la primera impresión que este hereje que les habla, ha tenido sobre Blur. Sólo colocaré las canciones, porque un análisis requiere un artículo completo (además de que aún soy un hereje jajaja).

Girls and Boys [Álbum: Parklife] (1994)

Una canción que de manera satírica, explica un fenómeno evidente de la década. Imaginen cuál es

Tender [13] (1999)

La remota felicidad, y el preludio a un rompimiento más grande que Bomba Nuclear

Charmless Man [The Great Escape] (1995)

Una historia graciosa sobre el imbécil de alta sociedad que cree tener "éxito"

Good Song [Think Tank] (2003)

Canción que delata el lado guerra-amor del álbum

Coffee and TV [13] (1999)

No se dejen llevar por el vídeo tierno... la letra es muy sorprendente y de mucho quiebre. Sólo miren la portada del single (Lado Izquierdo).

Country House [The Great Escape] (1995)


Una de las mejores y más asombrosas canciones de la banda en su etapa de Britpop

En fin, este es un pequeño abre bocas a lo que significa la banda. Aquel grupo que junto a Oasis popularizó al britpop, después se alejó tanto del género que mató al britpop y luego se reinventó de una manera experimental y bastante genial.

La batalla del britpop: Una historia que vale la pena investigar. Blur vs. Oasis

Si tengo la oportunidad, haré un artículo en detalle sobre el grupo liderado por Albarn y Coxon y cada una de sus etapas. Conocer nueva música es el principio de introducción a nuevos mundos llenos de interés dentro del cuarto arte.


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“Ahora el fin marca otro inicio”