6.20.2017

AlbumEscape #3 [Edición Plateada]: ¿Dónde jugarán las niñas? – Molotov (1997)

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

¿Cómo les va a todos? Decido continuar este ritmo constante en esta lejana dimensión, y traigo una joya para su análisis detallado. Se trata de una pieza bastante alabada, y a la vez, cuestionada desde el tiempo en el que salió por su explicito contenido, su impacto en la industria musical y por la naturaleza de casi todas sus canciones.

Hoy traemos al frente a ¿Dónde jugarán las niñas?, el disco debut de la agrupación mexicana Molotov. Disfruten de este nuevo AlbumEscape en una edición especial por el vigésimo aniversario del magnus opus de la irreverente banda. ¡Comencemos!…

¿Les gusto ese nuevo Intro? Comenten sus opiniones acerca de mi primera experiencia en edición principiante de videos de YouTube.

Molotov también tiene sus aspectos particulares, como muchas de las agrupaciones que han pasado bajo la reseña de esta página. En esta ocasión, este grupo mexicano se caracteriza por su irreverencia, sátira y critica a los múltiples problemas sociales que existen en Latinoamérica por medio de líricas subidas de tono, con palabras soeces incluidas en el menú.

¡Para una campaña de jeans, aquí está el cuarteto dinámico!

Conformada por Tito Fuentes, Randy Ebright, Micky Huidobro y Paco Ayala en el ya alejado año de 1995, comenzó a ser telonera de distintas bandas que en ese entonces eran bastante significativas para el ciertamente desgastado rock en español: Héroes del Silencio, e Illya Kuryaki and the Valderramas (de esta última hay cierta inspiración en sus primeros trabajos). Sin embargo, el cuarteto no deseaba emular el estilo funky que el dúo Spinetta-Horvilleur promovían por toda América Latina. Más bien, se decantarían por una esencia enfocada en un rock más duro, un género metal notable, con tintes de rap y un poco de ese funk de IKV (Sí, sólo ese poco).

El año 1996 resultó cargado de trabajo luego de que un representante de una disquera los escuchó, y posteriormente convenció, para que grabaran un primer trabajo discográfico. Con la producción del legendario Gustavo Santaolalla, junto a Aníbal Kerpel; el álbum con un “sutil” doble sentido como título saldría al mercado. A propósito, un mercado que empezó rechazando su venta masiva al público por la naturaleza de su portada. Tarde o temprano, las tiendas no resistieron comercializarlo al ver que su éxito fue inmenso cuando los integrantes de Molotov vendían las copias del disco en las calles.

¿Dónde jugarán las niñas? (1997)

1.  Que no te haga bobo Jacobo
2.  Molotov Cocktail Party
3.  Voto Latino
4.  Chinga tu Madre
5.  Gimme tha Power
6.  Mátate Teté
7.  Más vale cholo
8.  Use it or Lose it
9.  Puto
10. ¿Por qué no te haces para allá?... al más allá
11. Cerdo
12. Quítate que ma’sturbas (Perra arrabalera)

Letras escritas por: Huidobro (1, 4, 5, 6, 7, 10, 12); Ebright (2, 8); Fuentes (3, 7, 9, 11); De la Cueva (7); González (8).

Fue un total acontecimiento. Al final de esta reseña veremos si posee o no esa excelencia de la que tanto se alardea. No obstante, se puede afirmar con total veracidad que este disco significó un hito en la historia del rock mexicano de aquel entonces. Ese enfoque hacia la sátira y la burla que perdía toda nobleza en las canciones más controversiales fue lo que sacudió el ambiente musical de finales de los años 90. Desde el mismo título se hace una parodia a aquel archifamoso álbum de Maná de 1992, pero con connotaciones hacia una situación que aún es tabú en la sociedad: La Prostitución.

Desde el debut, su impacto arrasó con todo en América Latina

No sólo fue representativo en México. El impacto que tuvo por fuera de su país natal es una de las razones por las cuales exista esta reseña. Y sorprende que el paso del tiempo no haya hecho sufrir a esta pieza, algo que puede jugar a su favor a la hora de evaluar su calidad. Pero si es triste que después de 20 años desde la salida de este disco, la banda no haya igualado o superado a su debut, que pisó más fuerte e hizo más eco que cualquiera de sus posteriores contenidos.

Dejando las introducciones a un lado, vamos a ver de que está compuesta la mejor obra de Molotov (eso último lo dijeron ellos mismos...), con infinidad de dobles sentidos incluidos:

Que no te haga bobo Jacobo es un tiro directo a la desinformación, la manipulación de los medios por parte del gobierno turno, la actitud conspiranoica y fenómenos similares a partir de la historia del fallecido Jacobo Zabludovski, un periodista mexicano acusado de impostor y oportunista por parte de su amplia gama de detractores; representando todo lo que pueda estar mal en el periodismo latino. Sonidos fuertes, beats resonantes y un coro gritado en potencia armonizan el primer track de su disco debut. No se anda con rodeos. No es de mi agrado personal, pero es buena (en lo que cabe).


Molotov Cocktail Party es la carta gringa de presentación del grupo. Una canción en inglés que describe de una manera poética y callejera a la vez cuál es la esencia que caracteriza al cuarteto y toda la controversia que llevan detrás. Tenemos un compás más pausado, pero que es acorde con el lento y constante impacto que quiere poseer este “saludo” de la banda. Ritmo rockero con una prevalencia de batería. ¡Un tesoro en toda regla!

En vivo en el Auditorio Nacional - 2014

Voto Latino, una muy conocida, una muy celebrada. The point of this song is very simple. It tries to explain the problems that racism can produce in the Latin-American society, una muy chingona, por cierto. Y con ritmos tradicionales donde abundan varios instrumentos típicos de la región (más que todo mexicana), logran concretar un grito de protesta contra esa discriminación. Letra inspirada, realismo expuesto de manera efectiva y una interpretación de una sola toma impresionante. Increíble.


Chinga tu Madre no es algo que maltrate a la mujer, por si les quedaba la duda. La canción es vulgar, pero tiene su justificación en que es un grito de “basta” hacia esas situaciones incomodas que ocurrían en una relación y de las cuales todos los humanos estrictamente racionales nos llegamos a cansar. Sea hombre, sea mujer, sea de cualquier género... La idea es mandar al demonio esas experiencias fatales. Así de simple. No ofrece novedad instrumental; no obstante, la letra lo compensa al... Bueno, las líricas no son tan elaboradas... El atractivo llega a ser el conjunto de sensaciones que transmite la rola. No es precisamente pegadiza, y aun así acierta en aquellas sensaciones. Aceptable.

Desde Rusia con Amor (En Vivo - 2012)

Gimme tha Power es la archifamosa melodía de Molotov. La típica de canción protesta contra el maldito gobierno, la desigualdad culera y las mismas pinches promesas de siempre sin resultados algunos. Es un mensaje de unión en contra de esos malnacidos que sólo tienen intenciones egoístas estando en un cargo que supuestamente debería dar beneficio social. Pero bueno, vulgaridades aparte (pocas en comparación a las demás tonadas), es un hit puro y duro. Una interpretación lenta, cabizbaja e impecable del sonido de agotamiento por la corrupción; una letra apegada al realismo con ánimos de unión social. Es una belleza. No es la mejor del álbum, pero es sobresaliente.


Matate Tete vuelve al ambiente estruendoso de las primeras canciones. Esta vez presentando la declaración de odio a aquel individuo por el que se siente esa peculiar y fuerte emoción. Esta canción no vale la pena escucharla: La calidad lírica no es digna de otros trabajos del grupo, el ritmo es repetitivo y su simplicidad llega a ser fastidiosa. La interpretación vocal es variada... Y no, eso no salva a esta cosa de ser mala.


Más vale cholo nos cuenta la historia de un desmadre en el que todo terminó en caos, balas y peleas entre gente pendeja. Si, es bastante básica la trama e, irónicamente, me parece un mejor trabajo que el del anterior track. No tiene una letra de calidad, pero el ambiente instrumental y vocal logran atraer un poco. Más aceptable que el anterior sí es. Aun así, no es la gran cosa

Desde Rusia con Amor (En Vivo - 2012)

Use it or Lose it es como un manual de instrucciones para la vida dado ni más ni menos que por los Molotov. De esa manera es que lo puedo ver. Y es lo primero y único que se me ocurrió, porque mi ignorancia sólo permite ver una neblina de ideas muy poco desarrolladas. Tenemos unas líricas de Ebright que tienden a un estilo implícito, ya menos pesado y agregando un poco del funk y gangsta’ style de su inspiración directa (IKV). ¡Es buena para pasar el rato y su ritmo es efectivo a grandes escalas!


Puto... No sé qué decir de Puto. Matarile a esta canción, que más allá de ser un himno, o ser muy famosa, no tiene mucho contenido lírico. Perdón, no posee contenido de este tipo. Es sólo montársela al aguafiestas de cualquier situación, evento o desmadre. Pegadiza y todo, pero es un despropósito. Sólo es una canción chatarra que se volvió popular por su lenguaje soez que era tabú en la época. Épica, pero pobre.


¿Por qué no te haces para allá?... Al más allá expresa el deseo de ver en las peores condiciones (la muerte, explícitamente) a aquella persona interesada que tanto daño hizo a los sentimientos de uno mismo. Insulto y medio para esa expareja traicionera e infiel que no merece el perdón de alguna divinidad existente. Hard Rock y unos vestigios de metal son los que armonizan esta canción llena de odio, desprecio, maldiciones y redención del ego. Los solos de rcok del final son increíbles, la estructura rítmica puede caer en lo repetitivo. Aun así, la letra logra ser un hilo conductor mejor logrado que anteriores canciones. Es aceptable, tirando a buena.


Cerdo se refiere literalmente al apodo que la sociedad asigna a aquellas personas que sufren de gula y comen en forma exagerada. La hipérbole a la que se acude en la descripción literal de esta condición es grotesca, repulsiva... y lamentablemente, real. La letra no podrá ser muy elaborada (su superficialidad puede dar miedo en cierto modo), pero en cuestión instrumental es una tonada de amplio disfrute. Es evidente la manera en la cual toman el funk inspirado por Illya Kuryaki para mezclarlo con sus mensajes de burla e ironía... resultando en una canción rara. Pegajosa, carente de líricas muy pensadas, pero efectiva al punto de ser aceptable.


Quítate que ma’sturbas, más conocida con el nombre de Perra Arrabalera (más misógino para donde) nos comenta acerca de la situación de una mujer excitada que no le importa qué hacer con el fin de conseguir su propio placer o excitación: Hacerle con todos, darse auto-amor, o ser muy insinuante con cualquier persona. No voy a comentar acerca de los alcances morales de la canción (si lo hago, me linchan). Más bien, veamos la instrumentación y la rítmica: Es básica, fuerte y constante. También puede pecar de tornarse repetitiva y la letra no es tan desarrollada. 


Puede ser una pieza demasiado criticada por su contenido lírico, pero mejor la descartaría por su nula variedad y su pretensión de ser algo que no es... Me explico: Pretende ser una sátira social y contestación de metal (en teoría), y termina siendo una composición infantil de sujetos que no superan su pubertad. Así que, rock fuerte y todo... pero no pasa de ser una vil queja adolescente. Y esto puede aplicar para otras canciones dentro del disco.

Ya sé que el decir ¿Dónde jugarán las niñas? expresa una referencia directa a “niñas” relacionadas con lo narrado en estas tonadas, aunque el grupo trate de exagerar en cada ocasión posible. Y teniendo una mirada más global, el álbum en conjunto no ha envejecido muy bien. Los mensajes principales son ejemplares (con vocabulario fuerte, y aun ejemplares); pero las subtramas son misóginas, sucesos controversiales porqué sí, y vistos de mal modo en una sociedad en la que las mujeres quieren eliminar ese estereotipo de ramera en las que a algunas las encasillan y el odio es el peor mensaje que se le puede dejar a esta sociedad.

El punto de vista de Molotov es válido como el de cualquier otro grupo. Y así, no sé en donde empezarían a irrespetar a ciertas personas o comunidades. Es algo muy difícil de descifrar. Con esto dicho, doy el veredicto de esta pieza fundamental del rock mexicano. (Recuerden que la escala va de -4 a 4).

Nota Apreciativa: 1 (Uno)
Un álbum casi neutro. Un clásico con aciertos que establecieron cierta tendencia del rock. Aunque posee también canciones con estándares de calidad muy bajo. No ha envejecido muy bien porque ciertos mensajes se ven anacrónicos, pero estableció un estilo satírico bien llevado. No es un disco para cualquier espectador.

Termino este artículo conmemorativo y esperen el próximo. ¡Espero no demorarme otra eternidad! ¡Hasta la otra!


“Ahora el fin marca un nuevo inicio”

5.26.2017

El Gotero #4 [Entrega Triple]: A Marte, El Dorado y Ceguera

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Regreso de las cenizas de un periodo universitario que me dejó completamente agotado. Sin embargo, aquí aparezco de nuevo con un artículo de impresiones en donde van a recibir un combo triple con la primera revisada a 3 álbumes lanzados en las últimas semanas, los cuales pretenden causar expectativa en todos los fanáticos de esos cantantes (o grupos, para no excluir); o provocar dolor de cabeza en caso de que sean tan malos como lo que nunca promocionan (No sé, ¿Quién sabe?).

Por lo cual les doy la bienvenida a este artículo de retorno: Una nueva temporada de columnas en Ya viene... Todo a su Tiempo. ¡Así que sin más que añadir a esta peculiar introducción, demos comienzo!

¿Les gusto ese nuevo Intro? Comenten sus opiniones acerca de mi primera experiencia en edición principiante de videos de YouTube.

Primera Revisión: Mis Planes son Amarte – Juanes [11 de Mayo de 2017]

Wow, no me esperaba este contenido de parte de Juan Esteban Aristizabal. Es más, no tenía muchas expectativas del posible nuevo disco de Juanes, el cual llevaría un nombre que cae en lo ingenioso (aunque un poco cliché). Después de P.A.R.C.E. (Un álbum sin identidad), un épico MTV Unplugged (también llamada nostalgia empaquetada), y Loco de Amor (Un cuestionable impacto); verdaderamente no sabía si el cantautor paisa podía evolucionar de ese gran trabajo llamado La vida… es un ratico.

Después de disfrutar la experiencia audiovisual de este último trabajo discográfico, quedó muy claro mi juicio. Estamos frente a un álbum bueno de Juanes. Sí, escucharon bien: Un álbum bueno. El playlist de vídeos existente en el canal de YouTube de Juanes no es sólo un conjunto de imágenes para complementar a las distintas canciones; sino que existe una historia que atrae a que la puedas seguir viendo a través de los mensajes y líricas que posee cada pieza dentro de este nuevo concepto.


Desde Perro Viejo (Una tonada sólida y reflexiva) hasta Esto No Acaba (Un torbellino de emociones), hay una cohesión clara en el álbum, lo cual le da esa característica íntegra que las personas casi siempre buscamos a la hora de disfrutar un disco en su totalidad. No significa sólo abordar un género, sino manejar una misma esencia con géneros distintos en algunas ocasiones. Juanes ha desarrollado un proyecto bastante atractivo para el mainstream actual de la música latina.

Si les soy sincero, esto es una bocanada de aire fresco. Frente a sus trabajos anteriores que no tuvieron mucho éxito. Es un alivio entre la seguidilla de tantas tendencias relacionadas con reggaetón. Es una luz al final de un túnel en el que Juanes llevaba atrapado casi 8 años. Y por si lo preguntan, no alcanza la perfección (y está lejos de hacerlo). Hay defectos notables en ciertas ocasiones: específicamente algunas cualidades melosas o tediosas dentro de las letras. No obstante, son insignificantes frente al trabajo sorprendente que nos ha traído aquel intérprete que alguna vez fue el máximo referente del pop rock colombiano.


Existe variedad en las propuestas que podemos ver dentro del séptimo disco del parcero. Desde melodías lentas, pasando por su pop rock característico, donde también se mezclan géneros como cumbia, soul, balada y un poco de champeta. Sí, puede sonar desordenado. Aun así, se organiza de manera efectiva y no se nota lo forzado o lo inoportuno.

¿Quieren disfrutar un road trip particular con el estilo que caracteriza a Juanes? Vean el mediometraje que forman todos los videos de Mis Planes son Amarte. Sé que quedarán al menos, mínimamente sorprendidos de lo que este artista ha logrado. Resurgió de las cenizas. 


Canciones Recomendadas: Es Tarde, Mis Planes son Amarte, Perro Viejo, Actitud, Fuego.

Nota Apreciativa: 1 (Uno)
Un buen deleite. Defectos por aquí y por allá, pero que no le quitan lo placentero


Segunda Revisión: El Dorado – Shakira [26 de Mayo del 2017]

La situación con Shakira es igual, y a la vez radicalmente diferente a la de Juanes. Esa comparación radica en el amplio recibimiento que sus trabajos anteriores han recibido: Por más mediocres que fueran, la gente alrededor del mundo seguiría consumiendo las producciones de la cantante. Y es lamentable, porque se establece a Shakira en una zona de confort en la que la calidad es prácticamente inexistente. Pero bueno…

Hablando de sus antecedentes, tenemos a Sale el Sol como un último vestigio de contenido que realmente valía la pena. No hablo de sencillos como Rabiosa o Loca, con amplísima calidad lírica (Sarcasmo), sino de piezas como la homónima o Antes de las Seis, las cuales nos dan un suspiro a aquellas personas que buscamos calidad de parte de la música que realiza la barranquillera.

Y luego entramos en El Dorado. No ahondaré en el nombrecito o en un referente del rock colombiano del mismo nombre… dejemos eso para después. Lo que realmente importa aquí es que el contenido que ofrece la cantautora dentro de este nuevo trabajo empieza con pie izquierdo. Cae en la moda facilista de hacer colaboraciones con reggaetoneros en masa. Sin embargo, ese no es el único defecto. Vamos con los detalles para cada track:


Me Enamoré es simplemente una elaboración sencilla que pretende ser pegadiza a toda costa (algo que logra, pero sacrificando la calidad). Es escuchable un par de veces, pero ya después fastidia. Nada son reminiscencias de una época pasada, que realmente demuestra que Shakira aún puede interpretar buen contenido. Chantaje es una basura viral (ft. Maluma). When a Woman no es resaltable más allá de ese ritmo “urbano” … es más tolerable que la primera canción (eso sí). Amarillo es un track llevadero y tierno, con tintes simples que logran desarrollar complejidad.

Perro Fiel… eh, no sé qué hace esto aquí. Es mejor que ese tal chantaje, pero eso no es decir mucho.  Trap es otra aparición del pretty autotune, digo, boy. Lo peor es que la letra no es tan mala (“Ponle Nutella” … ajá claro), lo malo es la pésima interpretación vocal de ambos (irrelevante y cansina, por cierto). Comme moi me recuerda mucho a aquellas caderas que no mentían. Tiene su estilo, es recomendada de escuchar. Coconut Tree es relajante y deleitable… es también buena. La Bicicleta, canción de Carlos Vives, viralidad del 2016. Aunque no lo crean, no es tan mala. Sólo un problema (y uno grande): Autotune, jodido autotune en la voz de la barranquillera (Eso daña en cierto modo la interpretación vocal).


Deja vu (No confundir con la pieza de un tal Gustavo Cereza) al lado de Prince Royce es una bachata llevadera, sentimental. Puede cansar luego de escucharla 4 veces, pero no es una canción mala. What We Said es una versión modificada de Comme Moi, sólo que totalmente en inglés. Siento a MAGIC! muy antinatural en este track, y no puedo disfrutarla tanto como la versión anterior. Y por último está Toneladas, una balada pausada y reflexiva. Es un poco tediosa, pero rescata un poco ese género tan elemental en la carrera de Shakira.

No es un álbum recomendable. Unos tracks por separado sobresalen, pero el disco no tiene sustancia de forma íntegra. Sí, sé que va a ser popular; pero eso no le asegura calidad. Extraño a la Shakira que hizo aquel testimonio de madurez llamado Fijación Oral. No busco que ella sólo cante baladas, sólo deseo encontrar canciones de otros géneros que sean realmente buenas por su calidad, y no por su viralidad. Sólo miren a La Tortura o a Hips Don’t Lie. O si quieren irse más lejos, vean a Ojos Así o a Te aviso, te anuncio. Así las cosas, procedo a dar la apreciación.


Canciones Recomendadas: Comme moi, Amarillo, Deja vu, Coconut Tree, Nada.
Y si quieres rememorar, escucha por millonésima vez a La Bicicleta.

Nota Apreciativa: —2 (Menos Dos)
No es tan malo como Shakira (álbum de 2014) o Loba; pero le falta mucho para ser un digno trabajo de Shakira. Sólo un par de cosas de ahí son realmente excelentes. No más.


Tercera Revisión: Ciegos Corazones – TELEBIT [26 de Mayo del 2017]

Una banda independiente sacando la cara por Colombia. Para los que no los conocen, son un grupo colombiano de rock alternativo (o indie) que ha hecho eco en los últimos años con trabajos como Primera Dimensión (una faceta extraña e incomprensible) y Doce Vientos (un magnus opus en toda regla). No hay que ser un rockero empedernido o un fanático de tal género para darse cuenta del potencial que tienen los cinco muchachos que integran este proyecto.

Luego de lanzar un sencillo y hacer una gira nacional para promocionar su tercer disco que aterrizó antes de tiempo en el medio musical; por fin lanzan al público general por medio de plataformas virtuales como Spotify o ITunes su nuevo disco: Ciegos Corazones: el proyecto menos rockero de TELEB… ¿Qué? Exactamente así sucede, y vamos a ver su contenido llamativo.


Ciegos Corazones es una suave tonada que nos conduce a través de una realidad cruda relacionada con el poder, la política y la falta de libertad. Estrellas y Desiertos es un viaje a través de la naturaleza, los paisajes y las situaciones del día a día. Gemas es la cuota rockera, que anima el estilo del álbum (puede ser el próximo sencillo). Ley de Gravedad es una historia tierna de momentos especiales. Deja es la motivación de afrontar las dificultades de la vida.

Tonada de Luna Nueva es una metáfora acerca del olvido, la tristeza y la nostalgia después de que se acabó el amor. La tierra que nos quitaron es un dueto con Esteman acerca de un lugar especial desaparecido en el tiempo. Sin ti es la declaración realista del amor no correspondido. Hoy corresponde a un reencuentro con una persona especial en la vida. Y el Bonus Track es una interpretación acústica de una de las anteriores canciones.


Si quieren explorar nuevos horizontes sin prejuicios mainstream o de rock puro, te recomiendo ampliamente este álbum. Es un trabajo sobresaliente que logra enganchar a su público desde el inicio hasta el final. También tiene claros defectos, como esa tediosidad en canciones como Estrellas y Desiertos o Deja; pero eso no altera la experiencia completa al escuchar este álbum. Agradezco completamente que pude escuchar el álbum desde hace casi un mes antes, para poder digerirlo mejor. No es tan bueno como Doce Vientos, pero tiene un buen nivel musical respecto a calidad. Así que…


Canciones Recomendadas: Gemas, La tierra que nos quitaron, Sin ti, Ciegos Corazones, Tonada de Luna Nueva.

Nota Apreciativa: 2 (Dos)
Un constante disfrute. Estilo realista, esencia natural, buen contenido. Faltan detalles por pulir.


Esas fueron las tres revisiones de hoy. Una sorprendente, una sobresaliente y una posiblemente sobrevalorada. Deseo muchos éxitos a Juanes y TELEBIT en sus respectivas giras de promoción de sus álbumes.

Ah, sí. No crean que le tengo bronca a Shakira (Es más, la adoro). Pero las cosas como deben ser: Si su trabajo es mediocre, no lo voy a defender. Necesitan ver atentamente cómo es un buen álbum de la barranquillera. Anuncio un análisis en un plazo medio para “¿Dónde están los ladrones?” o para “Fijación Oral”. Escriban en los comentarios qué prefieren que reseñe con lujo de detalles.

Aquí termino esta columna. Nos veremos más adelante. Hasta una próxima.


“Ahora el fin marca un nuevo inicio”

5.01.2017

Gorillaz, El mundo virtual hecho realidad – Capítulo 2: Are we the last living souls?

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Todo el mundo espera un regreso, a pesar de que haya sido por un tiempo relativamente corto. Realmente Gorillaz no se había desconectado de los medios y de la industria que pretendía desafiar, debido a que tenía lanzamientos ocasionales durante los años posteriores a la publicación de su homónimo.

Entre algunas de las curiosidades publicadas se encontraban: Un DVD que contenía material exclusivo acerca de todo el contenido que poseía la banda (vídeos y cortos) hasta ese entonces, un CD de lados B que serviría como un perfecto complemento al homónimo que había tenido reconocimiento (el poco conocido G-Sides) y colaboraciones especiales con motivos de distinta índole (como la de 9/11).


Ya se hacía necesario que el grupo virtual continuara su carrera! 

No obstante, con cada año que pasaba, ya se veía necesario que el grupo aportara nuevo material a una revolución que ya había empezado. Este disco terminó siendo un boom en todo aspecto… y sí, no tengo nada más que agregar para complementar la historia (porque este no es el primer objetivo de estos artículos). ¡Entonces, entremos dentro de los diversos sucesos que nos cuenta el segundo disco!

Demon Days (2005)

1.  Intro
2.  Last Living Souls
3.  Kids with Guns [ft. Neneh Cherry]
4.  O Green World
5.  Dirty Harry [ft. Bootie Brown]
6.  Feel Good Inc. [ft. De La Soul]
7.  El Mañana
8.  Every Planet We Reach Is Dead [ft. Ike Turner]
9.  November Has Come [ft. DOOM]
10.  All Alone [ft. Roots Manuva & Martina Topley-Bird]
11.  White Light
12.  DARE [ft. Shaun Ryder & Rosie Wilson]
13.  Fire Coming Out of the Monkey’s Head [ft. Dennis Hopper]
14.  Don’t Get Lost in Heaven [ft. the London Community Gospel Choir]
15.  Demon Days [ft. the London Community Gospel Choir]

All songs were written by Damon Albarn. Another writers are Brian Burton (3-7, 9, 10, 12); Don Harper (1); Romye Robinson (5); David Jolicoeur (6); Daniel Dumile (9); Rodney Smith & Martina Topley Bird (10); Shaun Ryder (12)

El álbum más exitoso de la banda virtual. El que tiene más reconocimiento de parte de la industria. Gorillaz continuaba siendo una alternativa que mezclaba géneros musicales de manera impredecible, pero ahora la diferencia sería que la industria los seguía más de cerca: Esto se puede notar bastante en los múltiples premios, las diversas nominaciones y las presentaciones que tuvieron durante esta segunda fase.


¿Que si valió la pena esperar? Definitivamente

Las expectativas fueron altas frente a un disco que superaba en creces a su antecesor. Ahora contaba con mensajes sutiles, y a la vez críticos a la guerra; un mensaje basado en los días oscuros que sucedían a lo largo del mundo; y una instrumentación mejor construida, más disfrutable y más fácil de llevar sin caer en el estilo genérico que Gorillaz tanto satirizaba.

De hecho, y antes de entrar de lleno a analizar track por track; sería pertinente mostrar un lado B de este álbum que pretendía impulsar una campaña también creada por la banda virtual que quería evitar que las personas siguieran íconos o modas sin sentido o, en simples palabras, estúpidas. “Reject False Icons” se promocionó con Rockit, una ironía acerca de la importancia de las celebridades que no aportan en lo absoluto a la sociedad; y sí la embrutecen más. Aquí está el “muy extraño” vídeo:

Blablablabla

Ahora sí, comenzando con el Intro. Un inicio instrumental, que a través de diversos sonidos nos deja sentir la decadencia dentro de la que se encuentra sumida el mundo: El preludio a un apocalipsis, el comienzo de días demoniacos en los que la humanidad se devora así misma, audio ininteligible que pretende alertar a la población junto con el ruido de unas sirenas de policía. Sólo entramos a esa realidad inevitable…


Con un compás bastante característico (que influiría en ciertos trabajos de grupos latinos), Last Living Souls hace acto de presencia al empezar con una onda melódica minimalista que en algunos segundos se transforma en ese trauma musical que, cual remolino, te envuelve en una combinación de placer culposo y depresión. La idea de un planeta en el que la vida humana está extinta y sólo el cantante es… uno de los dos o tres últimos supervivientes de la especie. Desde ahí se desencadenan traumas, preocupaciones, tristezas; pero también ambición, libertinaje y poder. Una gran canción con sentimientos variados y/o ambiguos.

"Cause all out of song. I got it down wrong"

En Kids With Guns se puede ver que la avaricia humana no tiene límites conocidos. Abordamos una crítica directa a la guerra, en la que los infantes son la carne de cañón que siempre va a estar en riesgo dentro de una pelea que ellos no tendrían que combatir. Todo esto acompañado de un mix de sintetizadores, batería y cuerdas que quieren resumir sus acordes en un solo mensaje: Muerte. ¡Pieza también excelsa del disco!

"Easy does it, easy does it, they got something to say no to..."

Y luego el cuarto track, O Green World, quiere plasmar las añoranzas de tener otra vez un mundo limpio, libre de destrucción, donde la paz y la armonía alguna vez existieron; al lado de unos arreglos rítmicos basados expresamente en la potencia de los sintetizadores. Se podría explotar más el concepto que se trata en la canción; no obstante, hay unos límites claros que no se pueden sobrepasar. Este track podría ser mejor, pero en su forma original es regular y con una simpleza mejorable en la instrumentación.

"Bring me back to fallen town, where someone is still alive"

Llegamos a uno de los sencillos más populares de la banda: Dirty Harry. Y no es para menos, debido a que es una de las canciones que ha sido tenido muy en cuenta en el mainstream de las artes: como en el cine, apareciendo dentro de varias piezas cinematográficas. Hablando de la canción como tal, nos redirige a un pasaje desértico en donde la supervivencia se ha vuelto tarea fundamental de cada frenético día. La letra que nos habla acerca de armas, combate y carencia de paz se armonizan con un loop instrumental demasiado adictivo durante casi todo el track. Desde arreglos sintéticos bacanos, hasta un rap lleno de carga social hecho por Bootie Brown. Es simplemente asombroso.

"I need a gun, cause all I do is dance!"

Feel Good Inc. … el primer single de este segundo trabajo discográfico. Es, por detrás de Clint Eastwood, la obra más conocida del grupo. No tanto porque se haya tornado un éxito viral; más bien, es una canción con todos los elementos precisos para ser disfrutada, cantada y muy poco aborrecida por las personas. Más allá de una tendencia, marcó un hito en la música anglo. Y en relación con esto, tenemos el tema de esta pieza: ¿Cómo la satisfacción banal y la zona de confort nos absorbe, quitándonos todo rastro de emociones y libertad?

"Love forever, love is free. Let's turn forever you and me"

Todo esto acompañado de una instrumentación preciosa que ambienta los versos y estribillos, que acompaña tanto la parte vocal de 2D, como la de los colaboradores (De La Soul) que representan a esa opresión manipuladora. La letra logra mostrar el aliento del espíritu que no se quiere resignar a vivir en la engañosa satisfacción. Ya no podría decir más cosas… Sólo me resta por decir que es increíble en cuestión de calidad.

Inmediatamente, se continúa con El Mañana; la cual es una canción que manifiesta un sentimiento más desalentador y depresivo. Aspiraciones muertas, unas ilusiones destruidas, esa libertad que al final se podía alcanzar, había quedado pulverizada. Acompañada de ciertos sonidos sintéticos, los beats de batería acompañan a las exóticas cuerdas presentes en muy pocos tracks de la banda. La voz triste y melancólica expresa el fin de un sueño, que se eliminó de una manera horrible. Una pieza significativa.

"Don't stop the buck when it comes. It's the dawn, you'll see..."

Puedo considerar al track consecuente como mi favorito en toda escala del Demon Days. Y es que Every Planet We Reach Is Dead tiene todo para considerarse como una tonada de muy alto nivel: una instrumentación elaborada con exacta precisión (armónica y pegadiza al mismo tiempo); una metáfora donde se representan las ansias de la especie humana por encontrar un lugar seguro (cuyos intentos son en vano); y una interpretación vocal calmada, dudosa en sus ideas, pero finalmente bastante expresiva. EPWRID es excelente. Una canción predilecta.

"Dreams aren't bad, a hit of meth. I love the girl, but God only knows it's..."

November Has Come es corta, ambigua y un poco confusa. Aun así, dice referirse a situaciones sociales en las que la ley es prácticamente inexistente, el libertinaje se hace presente, y el instinto humano para desafiar lo que se estableció en el pasado continúa vivo. Todo esto acompañado de unas líricas que son poco entendibles, que intentan contar las diversas historias de una comunidad; cuyas ocurrencias son acompañadas por un trabajo de sintetizadores que no son suficientes para armonizar el estilo de esta tonada. Se siente que hay insuficiencia, y el track podría ser mejor a nivel instrumental.


"Something started today. Where did it go? What you want it to be?"

All Alone representa la soledad… bueno, no es un sentido muy explícito o directo acerca de esta condición. Más bien, expresa el completo nihilismo/indiferencia que puede causar el estar sumido en los líos de la sociedad; junto a la presencia de unas cuerdas con acordes que impactan al espectador por lo crudos que son. Prevalece esa mezcla instrumental que es la que guía toda la canción; además de poseer transiciones entre un lado relajante y un lado desafiante. ¡Particular y recomendada!


"We's about to make it clear. We happy or we lonesome"

White Light… Mmmm, ¿Cómo lo digo sin que suene ofensivo? Al carajo, lo voy a decir sin contenerme. Esta canción es un completo bodrio. Innecesaria, desesperante, y si quería transmitir algún mensaje, ha fallado rotundamente. Puede que parte de los arreglos instrumentales sean parcialmente agradables, pero la mayor parte del track es una repetición injustificada sin gracia y con un contexto tan oculto que hasta puede ser inexistente. Mala.


"White Light... Alcohol"

Ocurre el caso contrario con DARE. Es una continuidad llena de estilo, beats sintéticos y el encanto de una voz femenina para variar un poco el estilo depresivo y serio del disco. A pesar de que la letra no apela a la conciencia social, o a los problemas de la actualidad; te la puedes tomar en serio como un relax demasiado encantador. Es una de las colaboraciones más extrañas (en el buen sentido), debido a que Ryder ofrece el toque de locura y ánimo suficiente para interactuar con el alma del grupo en una pieza como esta. No describo más, porque sería innecesario agregar algo más a lo sobresaliente que es DARE.


"You just, think it, that's what you do it"

Fire Coming Out of the Monkey’s Head no se debe interpretar de manera literal. Monkey es el nombre del espíritu de la tranquilidad, la felicidad y la armonía que acompaña a toda sociedad durante su convivencia pacífica. No obstante, tarde o temprano llegaran forasteros a corromper esta comunidad; y en cierto momento todo se convertirá en destrucción (Cuando el fuego salga de la cabeza del espíritu).


"There's nothing you believe you want"

Esto, por cierto, es una metáfora de la sociedad (Por si no lo habían notado). Una letra casi en su totalidad hablada, la cual se ve acompañada de unos cuantos estribillos de 2D que dan cierto contexto a la historia. La instrumentación es un poco pegajosa, con tintes de misterio y oscuridad. El contexto es turbio, pero efectivo. Es buena…

Y los dos últimos tracks, que los podemos tener en cuenta como si fueran uno solo son Don’t Get Lost in Heaven y Demon Days, que nos hablan acerca de la ironía de un paraíso o utopía demasiado cruda, donde el fin de la vida es inevitable y la supervivencia ya se torna como un castigo, en vez de ser una condición de dominancia. Llama la atención el coro angelical presente dentro de la tonada, el cual no sólo le da un toque de pureza y seriedad al contenido; sino que expresa la calma de observar como el mundo se acaba y posiblemente alguna nueva etapa comience. Instrumentalmente es suave, calmada y llevadera. No serán las mejores del álbum; mas, si son unas de las más realistas y expresivas.


"There was more of it there, when I got back home"

Aquí termina la travesía por cada uno de los tracks. Ahora, procederé a mostrarles la calificación general del disco como tal.


DESEMPEÑO: 3. Mejor que su álbum debut, con una selección de variados géneros que no le tienen que envidiar absolutamente nada al mainstream de la música. No es perfecto gracias a las falencias dentro de ciertos segmentos, o por ciertas canciones inoficiosas. Sin embargo, he de considerarlo una de las piezas más recomendadas del nuevo milenio. No existen límites para la creatividad (Por ahora).

Nos veremos en una próxima ocasión. ¡Disfruten Humanz y esperen pronto el análisis!


“Ahora el fin marca otro inicio”