4.20.2018

AlbumEscape #12: Isolation – Kali Uchis (2018)

¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!
Este es una de las dos reseñas que más esperaba hacer durante esta época. El hecho de que se origine por parte de una artista cuya propuesta musical se ha visto como “interesante” y “difusa” frente a lo que normalmente es tendencia en la actual industria musical, es algo que llama completamente la atención… Eso, y el hecho de que hablamos de una cantante colombo-estadounidense, con la esencia de ambas culturas.
A diferencia de Camila Cabello, la cual trata de mostrar las raíces latinas de manera recalcitrante en ciertas canciones (con resultados variopintos), esta intérprete no tiene la necesidad de usar esta táctica. Más bien, explora pacientemente cada mezcla de géneros que puede realizar; y, en caso de que lo vea necesario, da a relucir su lado latino con aspectos sutiles que pueden simpatizar con toda clase de públicos (gusten o no de cierto tipo de música, o sean de una u otra cultura). Hoy tengo el honor de presentarles a Kali Uchis.
Kali Uchis... En uno de sus máximos esplendores.
Con una niñez experimentada en Pereira, Colombia; y con una adolescencia y juventud vivida en la ciudad de Alexandria, Virginia (EE.UU.), la señorita Karly Marina Loaiza se inspiró en distintos tipos de arte auditivo para lograr moldear el estilo que iba a llevar desde el primer mixtape que sacó a la luz… Poco a poco llamaría la atención por su “disimulada” rebeldía ante las modas impuestas por el medio musical de hoy, además de que compartiría experiencias con grandes figuras del cuarto arte como Damon Albarn, Snoop Dogg o Juanes.
Y bueno, en Abril del presente año vuelve a relucir con su primer álbum de estudio: Isolation. Un material que preferiblemente se tenga que observar con mucho detalle, debido a que el status quo o el encuadre en un único género parece ser lo opuesto a lo que esta cantante desea. Así que, ¡bienvenidos a este nuevo disco!
Isolation (2018)

1.  Body Language (Intro)
2.  Miami (ft. Bia)
3.  Just a Stranger (ft. Steve Lacy)
4.  Flight 22
5.  Your Teeth in My Neck
6.  Tyrant (ft. Jorja Smith)
7.  Dead To Me
8.  Nuestro Planeta (ft. Reykon)
9.  In My Dreams (ft. Damon Albarn)
10. Interlude – Gotta Get Up
11. Tomorrow
12. Interlude – Coming Home
13. After the Storm (ft. Tyler, the Creator & Bootsy Collins)
14. Feel Like a Fool
15. Killer
Todas las canciones fueron escritas por K. Loaiza.
Existieron aportes líricos de parte de las siguientes personas: Bruner (1); Keith (1, 2); Satek, Natche y Landrau (2); Hemnani y Lacy (3); Rowe (4); Gordon (4, 15); Osinulu, Davis, Arcilla y Branham (5); Smith, Dopson y Mozee (6); Spears (6, 12); Ash (7); Chaverra, Londoño, Llorente y Torres (8); Albarn (9); Rabinowitz, Rishmond, Fisher, Kershaw y Gitty (10); Crocker (10, 14); Parker (11); Kurstin (12); Tavares, Hansen, Sowinski, Whity, Collins y Okoma (13).
Tenemos un disco que a simple vista muestra distintos matices… Tan distintos que no se alcanza a diferenciar un género con solidez. Sería mentira si dijera que en el álbum predomina el R&B, el trance, el reggaetón, el pop o el hip hop. Aunque tampoco hay de qué preocuparse: No es una pieza cuyo único atractivo sea su aleatoriedad: Realmente Isolation nos trae a la vista un conjunto de experiencias musicales que no se podrían vivir con artistas del mismo molde que no destacan entre los demás. Te hablo a ti… mi ínclita y primerísima cantante: Selena Gómez.
Es una estrella, pero no cae en ser similar a las demás. Tiene un algo muy notable que la diferencia...
Dejando atrás las cosas genéricas, en este artículo primara ese cambio repentino entre géneros y estilos que Kali Uchis quiere transmitir a todo su público. Por esta misma razón, el disco no es tan digerible para todas las personas. (Podría ser peor. Al menos no es un Witness o alguna abominación similar. Como sea…). Aun así, se establece como una oportunidad para que el oyente se incline a escuchar distintos aperitivos musicales que tienen en común una atmósfera algo retro que se ofrece en la mayor parte de las piezas musicales. Esa es la idea, en cierto modo: Una interesante exploración a nuevos rumbos
La introducción (Body Language) está inmersa en un ambiente tropical donde abundan aquellos sonidos de flautas y beats electrónicos que ofrecen una tranquilidad inesperada para los que tengan la fortuna de escucharla. Sí, fortuna. Porque esa sensación de auténtica calma es muy difícil de evocar de la mejor manera, y aquí se logra de una forma verídica (para ser exacto). Nada de efectos artificiales en la voz, más allá de una simple reverberación. Naturalidad, autenticidad, armonía, relajación… Algo único frente a todo lo que he escuchado en mi vida.
"Do you hear me? Can you feel me now!"
Miami ya introduce un entorno más irreverente, enfocado a un horizonte más atrevido. La primera impresión que da es de tener un contexto algo violento, que rememora las épocas de auge de los gángsters… En cierto modo, acierta. De hecho, se enfoca en el frenético, violento y maldito mundo del narcotráfico.
… Antes de que empiecen a ser prejuiciosos, es precioso ver como el estereotipo de ciertos latinos respecto al universo de las drogas es deconstruido para concentrarse en la cotidianidad de la ciudad en donde ciertos gringos listillos la consumieron. Y eso logra la tonada en cuestión: No presenta esa vida como un ejemplo divertido a seguir (así como cierto cantante basura), sino como lo complicada e insoportable que es esa vida.
El ritmo en trance y la colaboración de Bia son adicionales que le agregan valor. Esta última aporta una mínima pizca de crudeza al ambiente, pero nada más que sea significativo. Es eso. Buena rola.
"I'll take your money, raise the price, sblow up the spot like dynamite"
Just a Stranger con el featuring junto a Steve Lacy presenta la historia de una mujer desinteresada, superficial y empoderada que se lanza a la vida sin importar los riesgos. Eso mismo conduce a resaltar el dinero como uno de los aspectos que más mueven a la señorita. Llama la atención el ambiente decaído y desanimado que presentan las notas musicales que se repiten a lo largo de todo el track: Quizás expresando la melancolía del hombre pasivo ante la mujer, de cierta manera.
El invitado no es de lo más relevante y sigue brillando más Karly con los distintos matices que puede presentar en diferentes circunstancias. Y la instrumentación: Sencilla e hipnótica. Aceptable, casi buena.
"I´m the one they love to hate, I'm the one who will survive"
Flight 22: Un vuelo, un enamoramiento, un amor correspondido, un romanticismo singular, una ilusión hermosa, la antesala a una gran tragedia. A nivel instrumental, se involucran elementos de vals (con un aire a Casablanca) en un compás de 3/4 que “hace volar” hasta al cariño más tosco del mundo. La utopía que se manifiesta en este tranquilo desvarío lleno de ternura, es cruelmente asesinada por un acontecimiento externo que impide que el amor se consuma… El vuelo 22 finalmente terminó colisionando con otro avión y mató a la mayoría de pasajeros a bordo. Ni el amor lo evitó. Conclusión: ¿Ya dije que esta melodía es muy tierna?
"And baby, we're not gonna make it. At least, I'm going down with you"
Your Teeth in My Neck es el esfuerzo frustrado, hecho canción. Importa un bledo si te esforzaste al máximo o si sacrificaste tu tiempo para crear algo espléndido… Lo más fácil es que alguien te lo robe de manera descarada y que se adueñe de todo. La pregunta queda en el aire ¿Por qué nos seguimos esforzando?
El sentido de la letra es original, todo hay que decirlo. Involucra una temática creativa que toca a las personas en lo más profundo de sus sentimientos, sin necesidad de ser realmente amor. No obstante, no ofrece algún valor agregado más allá de eso. No niego que la parte instrumental se caracteriza por su divina irregularidad, pero se torna aburrida muy rápido. Es de los contenidos del disco que más tedio ofrece, lamentablemente. A pesar de eso, no se desconoce la labor realizada dentro de la melodía.
"What do I do it for? I've been working so hard just to give you more"
Tyrant: El primer sencillo que la artista liberó hace ya casi un año. Fragmentos de una producción de años atrás que ella nunca lanzó fueron retomados para hacer este single que subjetivamente, puedo decir que me encanta totalmente. Ya pasando a un nivel más crítico, estamos frente a una pieza que nos habla acerca del dilema entre la obsesión por el poder y el amor inocente… un punto de quiebre que ha cuestionado la vida de más de una persona. Como en anteriores tracks, la candidez y la sensualidad van de la mano en un juego que devela la naturaleza perversa del ser humano (Aderezado con referencias nada sutiles a cierto criminal y a cierta sex symbol… Igual, no le resta mucho).
De alguna manera, la estructura instrumental no cae en ser repetitiva… Tal vez porque es algo que poco se observa en el mainstream, o porque aprovecha de manera increíble la artificialidad presente en cada segundo. Hipnótica, como un remolino en cámara lenta que te provoca un placer auditivo con cada detalle melódico. No vale la pena descubrir al género al que pertenece: Es una mezcla que no deja claro ese aspecto… Aunque tiene un “algo” que le brinda esa identidad, a pesar de no tener un género fijo.
Para terminar, está la colaboración con Jorja Smith. Breve, concisa, a su justa medida e interesante. No sobreexpone el cliché de los featurings de rap/hip hop… Más bien, aprovecha el corto tiempo en el que aparece para hacer un aporte esencial con cierto frenetismo (algo similar a RiRi). Muy buena.
"When everything is a riot, you're my peace and quiet"
Dead to Me es la respuesta a la obsesión de una persona que no comprende que una relación amorosa del pasado ya se terminó. “Estás muerto para mi” son las palabras que explícitamente dice la intérprete en casi toda la canción. Tiene un elemento clave en el ámbito instrumental, el cual es un conjunto de notas que se repite a lo largo de los tres minutos de duración, claramente acompañado por percusiones, otros sonidos sintéticos y demás elementos artificiosos. Y pues, nada más por decir: Un desempeño vocal distintivo y variado por parte de Karly y un acompañamiento electrónico más que decente. Buena tonada.
"Just don't come for me, I won't send for you"
Nuestro Planeta es reggaetón. Ritmo, ambiente y particularidades del mismo en cuestión. El único plus es la letra y la voz de Kali Uchis. De hecho, comentaré acerca de estos puntos rescatables. Escuchar a Karly interpretando una lírica en español es magia auditiva. Puede parecer algo loco de mi parte, pero considero que se muestran matices adicionales (más notables) cuando la dama canta en el idioma de Cervantes… Bueno, además que representa un vuelco total a este carácter “anglo-retro” experimentado en la primera mitad del disco. Por otra parte, las líricas son el reflejo de… otra vez… el amor ingenuo y virginal (en cierto modo) que se percibe por un individuo, el cual no deja de ser un donjuán que atrae féminas a más no poder. Ya se vuelve algo tedioso el abordar un mismo tema… pese a que se hace de una manera distinta. Las líricas están bien… a secas.
Ahora pasando al muro de la vergüenza, tenemos a un Reykon que entorpece la melodía de una forma muy “malumizada” … Existen señales auditivas que en vez de darle a Reykon una cualidad propia; termina siendo un reggaetonero del montón que rememora a uno más popular que el mismo. ¿Reykon, El Líder? En serio, ¿qué onda con autonombrarse de modos tan ridículos?… Ya, como sea. ¿Algo más? Insinuaciones sexuales burdas, romanticismo plástico, clichés de reggaetón… Creo que es la única canción del álbum cuyo género se encasilla en uno solo: Es la oveja descarriada del rebaño. ¿Por qué existe esta colaboración? No lo sé, ni me interesa saberlo. ¡Siguiente, por favor!
"Yo conozco en realidad quién eres. Lo sé, todavía me quieres"
In My Dreams… La vida soñada, las pesadillas no existen, todo es ideal. El optimismo a flor de piel es lo que expresa esta canción con un tempo rápido y animado, con ganas de despertarse, levantarse e iniciar un nuevo día de la manera más feliz posible. El trasfondo se relaciona con la niñez de la cantante, y el qué sucedió cuando emigró de Pereira hacia Alexandria por motivos bastante oscuros, y posteriormente llegar a California.
Es linda, y ya. No hay detalles que se puedan resaltar más allá de una instrumentación repleta de elementos electrónicos con armonía entre sí, pero que se sienten planos y algo repetitivos. Aunque la participación vocal de Damon Albarn es muy reducida, logra calar muy bien al contexto de la canción (Algo así como una transición de la melancolía y la incertidumbre, a la felicidad y a la vida buena). A pesar de que no es de mis favoritas, es buena.
"Why would anyone stay awake after being so sound asleep?"
El interludio Gotta Get Up es un llamado a no resignarse a la inmersión en el mundo de los sueños. Un llamado a levantarse y lograr que esos sueños se conviertan en realidad. Para resumir los arreglos instrumentales: Consistentes en unos acordes sintéticos que emulan de una forma muy veraz el cómo se siente estar sumergido en la utopía que el mundo surreal ofrece. Además, la siguiente canción nos mostrará lo que termina sucediendo luego de despertar.  Bello detalle.
"Gotta get up and get me something real..."
Tomorrow es un pop-rock psicodélico al mejor estilo de Tame Impala… Oh, espera, hay un colaborador llamado Kevin Parker, el cual es el multiinstrumentista de Tame… Ah ya. Está bien. Continuemos jeje.
Como estamos con Kali Uchis, era obvio que la pieza no se iba a enfrascar en un simple reflejo de la influencia del grupo de Parker. Se adicionan elementos que rememoran un poco al ritmo disco de finales de los 70, pero constituido con beats electrónicos. Y ahí queda otra amalgama de las que tanto nos fascinan… Creo que podría considerarla como la mejor instrumentación presentada en Isolation.
¿Y las líricas? Escapar de la realidad, romper el esquema, dejar atrás los problemas y encaminarse hacia una nueva aventura cuya dificultad y cuyo éxito aún son inciertos… (Ojalá no incite al escapismo jajaja…). Aún existe aliento en los corazones, y los amantes nunca regresarán a esos líos de los que tratan de evadir. Almas que, en su amor joven, enfrentarán el destino que se les avecina. No es de lo más original, pero tampoco es pésima. Todo lo contrario, es una letra que con cierto swing que recuerda a una ciudad nocturna, propone evitar el conformismo de una manera dulce y sincera. ¡Sobresaliente!!
"And time's on our side, while our hearts and young. Let's think about it tomorrow"
El interludio de Coming Home es eso precisamente: Volver a casa. Al parecer, las ilusiones del anterior track salieron de forma pésima, por lo que regresar parece razonable, a pesar de que nada será igual en el hogar a como era antes. Una segunda parte de esta pausa indica la necesidad de seguir adelante a la hora de cumplir tus metas, sin ceder a las presiones sociales porque con esto último no tendrás satisfacción con lo que hiciste. También, resumiendo el apartado instrumental: Parte 1 - Algo de desespero mostrado por una percusión irregular y notas sintéticas que se derriten en la nada. Parte 2 - Más calma con cuerdas, un tempo más pausado y un beat de percusión común. Y ya está.
"I'm looking back, now thinking, maybe I was wrong"
After The Storm con una doble colaboración al lado de Tyler y Bootsy Collins saca a relucir la fortaleza que deben tener las personas en las situaciones más críticas y certeras de la vida, además de no depender exclusivamente de un amor o una amistad. La vida no es fácil, y se tiene que enfrentar directamente. Respecto al apartado instrumental, posee detalles mínimos que en gran cantidad construyen un ambiente de calma anormal, una armonía cuya tranquilidad se nota en riesgo… Esto último es algo curioso e interesante a resaltar.
Y pues, la colaboración no es en vano. Los tres intérpretes se sienten relevantes a lo largo de todo el tiempo que dura la melodía… además de que expresan distintas emociones entre sí: La duda de Bootsy, la crudeza de Tyler y el sosiego de Karly. No es uno de los contenidos que más me atrajo, pero debo admitir que es de los mejores y más completos dentro de Isolation. Muy buena.
"So, if you need a hero, just look in the mirror"
Feel Like a Fool. Wow, una de las canciones más amigables con la radio que se puedan encontrar en el disco. Ya se apega a un estilo muy típico de R&B, aunque afortunadamente tiene elementos que le impiden encasillarse en el ya mencionado género. Desde potentes vientos, hasta ecos que resaltan el dilema en el que existe el enfoque. ¿Qué sucedió? Los cuernos han sido puestos, y la víctima sigue enamorada del imbécil que la engañó, por lo que esta misma resalta su estupidez frente a la situación. Mención honorífica para el apartado vocal, con el que Kali Uchis se foguea y se luce cada vez que puede. ¡Sobresaliente!
"They say don't blame the player, but he played the game"
Killer es el último track en el álbum. Una melodía oscura que se pasea entre violines, sintetizadores y teclados a través de las dificultades familiares y los problemas que se desarrollan en la adolescencia, en su mayoría enfocados con esa batalla campal entre uno mismo y su familia. De todos esos momentos tristes y llenos de angustia, sólo se pueden sacar enseñanzas que serán útiles en el futuro. Y la voz: Decaída, melancólica, con un sentimiento desgarrador en cierto modo. Con enojos y una pena a cargar encima, cierra este “Aislamiento” en el que nos sumergió una artista que ha demostrado tener un talento potencial envidiable.
'Cause all I'm thinking about right now is how I'll never know'em"
Así concluye esta producción polifacética. Les aseguro que es muy poco probable que encuentren un disco así en años: El talento creativo se invirtió de la mejor manera (salvo contadas excepciones). Incluso, lo más probable es que Kali Uchis explore otros rumbos en el futuro para elaborar un segundo trabajo discográfico con rarezas diametralmente opuestas a las aquí expuestas. El fenómeno que ha causado esta señorita ha sido increíble… Y no dudo que crezca mucho más debido a su estilo característico y a las pasiones que despierta entre sus seguidores: tanto fanáticos, como ocasionales.
Con esto dicho, procedo a dar el veredicto final respecto a Isolation:
ESCALA DE CALIFICACIÓN: -4 (Indeseable) ****** 0 (Común, Punto Medio) ****** 4 (Excelente)
Valoración Final: 3,3… Dejemoslo en 3 (Tres). Sí, es mejor que el Mi Sangre de Juanes. ¿Por qué? Me encantó como este disco asumió un sinfín de riesgos a nivel musical, algo que como consecuencia provocó el sonido tan extraño e irregular que se hace presente. No se encasilla en unos pocos géneros: Existen diferentes tipos de música y puntos de vista que se pueden notar a lo largo del disco. Se aprovecha al máximo el apoyo de diversos músicos en la producción y el desempeño de la mayor parte de las melodías aquí contenidas. La repetición molesta es algo que es prácticamente ausente, por lo que se da paso a ingeniosas maneras de abordar cada tema expuesto: Desde la presión social, hasta las dificultades personales. Si ya están aburridos de tanto pop y rap anglo repetido hasta el cansancio, admiren esta belleza. ÁLBUM MUY RECOMENDADO.
Eso sería todo por ahora. Espero que la tardanza por esperar artículo haya valido la pena
¡Hasta la otra!
Foto tomada de Melómanos Magazine! (Do you want a bit of raspado?)
“Ahora el fin marca un nuevo inicio”

3.31.2018

AlbumEscape #11: Mi Sangre – Juanes (2004)


¡Ahora han entrado a un nuevo inicio!

Este artículo es 100% Made in Chile. Así es, el autor se encuentra experimentando una experiencia increíble en aquel país austral que vio nacer artistas de la talla de Gabriela Mistral, Pablo Neruda y Violeta Parra. He tenido la oportunidad de conocer varios sitios destacados cercanos a Santiago (como Valparaíso y Viña del Mar), y no dudo que sean más los que finalmente tendré la fortuna de visitar. Si desean ver evidencia fotográfica al respecto, no duden en seguir la página de Facebook… donde posiblemente subiré algunas imágenes. Con esto dicho, comencemos este nuevo AlbumEscape.

Sí... Hola, Juanes! ¿Como le va?

¿Qué motivó a qué la siguiente entrega de AlbumEscape fuera protagonizada por este disco en cuestión? Capricho… Firme y simple capricho del autor, el cual desea tener una pizca de contenido inspirador en esta página. ¿Y qué mejor que hacerlo con un disco con el cual los jóvenes latinoamericanos durante los 90’s crecieron y formaron sus gustos en sus tiernas infancias? Y si lo preguntan, ese también sería mi caso.

Y es que Juanes como artista no siempre ha sido el mismo. De ser el frontman juvenil de una de las bandas de rock pesado y thrash metal más importantes de Colombia, a convertirse en una de las figuras del pop rock más reconocidas de Latinoamérica, hay mucho trecho por recorrer. Años de experiencia, de aprendizaje, y de notable éxito. Y Mi Sangre se ubica por ahí, donde la carrera del paisano se extendía a un nivel internacional que poco se alcanzaba a imaginar unos años atrás.

Página del libro caratula de Mi Sangre. Ahí está la frase:
“¡Tú ya sabes lo que quiero. Dámelodámelo, dame lo que quiero!”

Primero, como siempre, estará el tracklist acompañado de una breve descripción del trabajo discográfico y su contexto. Luego daremos paso al review de canción por canción. Así que, veamos lo que sigue…

Mi Sangre (2004)

1.  Ámame
2.  Para tu amor
3.  Sueños
4.  La camisa negra
5.  Nada valgo sin tu amor
6.  No siento penas
7.  Dámelo
8.  Lo que me gusta a mí
9.  Rosario Tijeras
10. ¿Qué pasa?
11. Volverte a ver
12. Tu guardián

Álbum producido por Juanes, Gustavo Santaolalla, Aníbal Kerpel y David Heuer.
Todas las canciones fueron escritas y compuestas por Juanes. Aun así, ciertas canciones contaron con la colaboración de: Octavio Meza (4) y Jorge Franco (9).

El reconocimiento que Juan Esteban Aristizabal había obtenido en las épocas de Fíjate Bien y Un Día Normal lo había posicionado como una de las promesas más notables del pop rock a nivel regional. El continente americano, a pesar de contar con diferencias de idioma, fue contagiado con la fiebre provocada por la voz y los riffs del paisa, que con mensajes de esperanza y de crudeza reflejaba historias de vida de todos los días. Claramente el amor no podía faltar, y presentes están piezas de una esencia más suave, que también lograron ser aclamadas a lo largo de todo el continente.

El ambiente no se había gringonizado en lo absoluto. Había traído Latinoamérica a Gringolandia y Europa.

Ahora bien, ¿Qué era lo que podía seguir en un posible tercer álbum del intérprete antioqueño? ¿Material novedoso y bien construido; una aproximación personal; o la consolidación de sus trabajos pasados?… ¿Qué podría ser? Una mezcla de las tres sería a respuesta más completa a la cuestión. Y ahí es donde entramos con el que prefiero llamar: “El disco más bélico de Juanes”. Las historias están constituidas en un ambiente y una época tensa: la actualidad de aquel entonces. Colombia 2004: La criminalidad abunda en las calles, las guerrillas y sus secuestrados hacen parte del pan de cada día, la violencia está en auge… Total, el país en el que vivimos se encuentra en una condición deplorable, la cual no se ha solucionado a punta de dar más plomo.

En medio de todo eso, hay espacio para las historias de amor, de sensualidad, de compañerismo, de fraternidad… De diversos ámbitos que abundan al otro lado de la cruda realidad. Así que, veremos uno a uno los tracks…

Ámame tiene unos acordes icónicos, que por más que no se haya escuchado la canción en más de 10 años, sigue estando presente en la memoria de los que la sintieron en su momento. Como lo sugiere su nombre extremadamente obvio, trata el tema de un amor incondicional que se ha vuelto estrictamente necesario en la vida del que interpreta esta pieza musical. Se destaca un solo de guitarra pausado y satisfactorio de oír en la parte media, además de los detalles guitarreros en el coro. No tiene la letra más compleja del temario, pero logra ser un contenido admirable que abre las puertas al festín de emociones titulado Mi Sangre.

"Ámame, hasta la muerte, ámame. Y si tú mueres primero; yo te juro, cariño... que me voy contigo, amor"

Para tu amor es sentimentalismo puro. Ternura, comprensión, sinceridad en una balada con un lento compás que logra llamar la atención por su grado de elaboración. No cae en el tedio, y hasta posee muchas partes que son muy cuidadas respecto de la elaboración de esta pieza. Nada más por decir: Es una canción romántica en todo su esplendor. Buena.

"Para tu amor, lo tengo todo. Lo tengo todo, y lo que no tengo también... lo conseguiré"

Sueños ya es más explícita respecto al  “contenido medianamente crudo” que está presente en el disco. Una melodía que reza para que el amor nunca muera, que la violencia se terminé completamente y que las personas no sufran más por causa del conflicto armado presente en aquella Colombia. Dos componentes claves para esta lluvia de emociones de distinta índole son la paz y la esperanza, factores que Juanes ya había resaltado en álbumes anteriores.

"Sueño con morir de viejo, y no de soledad"

¿Pero por qué son tan enfocados en este disco? Desafortunadamente, entramos en una época difícil en la que familias eran separadas por causa de una situación común. El ambiente de guerra no discriminaba clases sociales, profesiones o raza: se había convertido en una dificultad que a nivel internacional sólo recibían como una amenaza más. Y lo único que restaba era cumplir lo que se había soñado para salir de la ya mencionada tensión. Y ya está. Pasable.

La camisa negra resultó ser el sencillo más ultraconocido del cantante colombiano. La infidelidad aderezada con unos detalles de doble sentido, además de la frialdad de los acordes que se resignaban al contexto en el que se encontraban: El amor estaba de luto y las mentiras estelarizaban su propio espectáculo. La melodía resultó ser pegadiza hasta la médula, aunque con eso no se puede desprestigiar el talento presente a nivel instrumental… Los arreglos son tajantes, cortantes, pero bien direccionados respecto a lo que simbolizaba esta tonada. ¡Buena!

"Tengo la camisa negra, ya tu amor no me interesa. Lo que ayer me supo a gloria hoy me sabe a pura mier"

Nada valgo sin tu amor también logró tener una recordación demasiado destacable entre los espectadores colombianos que vivieron el furor del intérprete paisa. ¿Qué es lo que vale a la hora de amar? ¿Cómo trata el tiempo al amor? En principio, puede sonar muy meloso y todo lo que quieran… Pero de alguna manera cuya explicación me queda muy difícil para dar, resulta ser una demostración sincera del amor hacia una persona. Excesiva, en cierto modo, sin dejar de ser sincera. Eso sí, nunca se va a notar postiza.

Pieza también muy rockerita… Más exactamente una balada pop-rock de las que muy difícilmente pegan actualmente en radio. Un clásico en la trayectoria de Juanes. Es de las mejores en el disco.

"Por eso yo quiero que mis años pasen, junto a ti... mi amor eterno. Junto a mi familia, junto a mis amigos, y mi voz"

No siento penas ya es una melodía con tintes más notorios del género pop (aunque la batería se encarga de que no sea una obra genérica). Es bonita… y ya. Se puede sentir como una extensión un poco innecesaria de la canción anterior, porque las líricas van por el mismo camino. Cosas a destacar serían la instrumentación muy bien armada, que en ciertos momentos trasciende a ser una mezcla viviente que con repeticiones y todo, envuelve al oído en un bosque de paisajes sonoros demasiado impresionante. Además, cabe mencionar cierta partícula minúscula de belicismo que se explotará en su máximo esplendor cuando lleguemos a la última parte del disco. Buena, a secas.

"Sólo siento amor... Que por supuesto es todo para ti, desde el día en que te conocí"

¿Sensualidad? ¿Donjuanismo? ¿Se habla español? ¿Juanes?... “¡Tú ya sabes lo que quiero. Dámelo, dámelo, dame lo que quiero!”. Aunque no lo crean, este también resultó ser uno de los singles más conocidos de la carrera de Juanes; eso sí, por razones diferentes a los otros tracks. Volvemos a los riffs fuertes, los solos de guitarra eléctrica y la estructura típica de una melodía rockera del cantante en cuestión. El coqueteo, la calentura y la gozadera son las que hacen parte en este festival de sensualidad orquestado en un ambiente de antro/farra/carrete en el que se está sumergido. Otra vez la letra no es su fuerte, a pesar de que es compensada con unos arreglos instrumentales que muchas otras tonadas de la época envidiarían.

"Esta noche yo te quiero conocer, estoy seguro de que tú también a mi me quieres conocer... Así que ya no hay tiempo que perder!"

Se le recuerda con nostalgia por hacer parte de la campaña Pepsi “Se habla español”/”Atreverse a más” en la cual se lanzaron varios promocionales que involucraban al artista en situaciones demasiado curiosas (y hasta un poco ridículas). Pero igual, ayudaron a que su fama se continuara consolidando, además de que Dámelo entrara a ser parte del reconocimiento del que gozó también La camisa negra.

Comerciales de Pepsi del Año 2005. Ojalá tengan nostalgia por ellos!

Lo que me gusta a mí modera un poco la línea del álbum y apuesta por un pop rock optimista acerca de un retrato: una descripción detallada de paisajes símiles con la belleza facial de una señorita, que probablemente conquista corazones con su mirada espectacular. El ambiente es de euforia al más alto nivel, mezclado con unas referencias mínimas y agradables de notar acerca del entorno variado y tropical de algunas de las ciudades más importantes de Colombia. Tal vez la exploración lírica a otros parajes de la geografía nacional hubiera quedado bien, pero no se puede desprestigiar el retrato realizado a lo largo de esta pieza musical. ¡Instrumental Ways Rules! Muy buena.

"Te digo que he visto la luna de noche abajo del mar... Pero jamás he visto una cosa más bella que tu mirada"

Entramos al lado turbio del disco con el contenido dedicado a uno de los símbolos más notorios de la literatura colombiana de finales de los 90: Rosario Tijeras. De hecho, esta es la banda sonora de la película homónima lanzada en 2005, la cual narra la biografía de una niña convertida en asesina, después de vivir experiencias traumáticas que la condenaron a vivir en el mundo de la venganza, las drogas y la matanza.

"De tantos que mató, uno vino malherido y se vengó. Rosario si murió, y en el cementerio nadie la lloró"

Con una sensualidad envidiable, la señorita Rosario se desarrolló en un ambiente donde las acciones se pagan caro y el amor es sólo un estorbo más para cumplir sus cometidos. Toda la vida tortuosa es ambientada en unos acordes de guitarra eléctrica y bajo que expresan la vida despreocupada, a la vez del desespero por una vida indeseable. Esta vez la lírica es destacable, con una descripción específica de aquella matona cuyos sentimientos se oscurecieron por las ansias de venganza. ¡Sobresaliente! (Flora Martinez se pasa de hermosa en el vídeo jaja)

La oda más explícita a la difícil situación de la sociedad se ve plasmada en ¿Qué pasa? … Aunque la instrumentación vaya en contravía de las intenciones que se quieren expresar, no se daña por completo la canción. Igual que con Rosario, la letra es lo que más va a resaltar (a pesar de que no hay que desprestigiar el precioso solo de guitarra presente a la mitad de la melodía). ¿De qué nos habla? Impotencia por lo que sucede en el mundo. No hay amor, no hay paz. Sólo guerra, conformismo y puro cañón (Plomo, plomo, plomo). Es un mensaje directo para aquellas personas que prefieren continuar con un conflicto sin sentido, dejando muertes, lágrimas y familias rotas. Una súplica de “No más violencia” es lo que pretende expresar la canción durante sus tres minutos. Buena.

"¿Qué pasa, que nada bueno nos pasa? Y que la paz por aquí nunca pasa. ¿Qué pasa, que sólo la guerra pasa? ¿Que es lo que pasa? Pregunto yo"

Volverte a ver es otro de los megahits del intérprete antioqueño, el cual ambienta esta historia de amor, nostalgia y lejanía en un terreno también bélico (Y esto ya es más notorio con las variadas metáforas que pueden notar a lo largo de la duración del track). Una pieza pop rock que apela a la ternura y la sensibilidad a través de una composición lírica simple, al mismo tiempo que efectiva. Tiene unos arreglos instrumentales que se comportan de manera moderada, explotan cuando tienen que explotar, y que coinciden empáticamente con el mensaje a expresar. Bella, sincera y buena. Sobresale en lo que cabe.

"Eres todo lo que tengo. Y no me quiero morir, sin poder otra vez... Volverte a ver"

Tu guardián cierra el disco con una lenta balada acústica que refleja ese rol de “ángel de la guarda” que una persona puede tener con alguien especial (Algo que, en este caso, está más enfocado a un amor más paternal). Podría catalogarlo como un arrullo de cuna al estilo Juanes: auténtico, protector, buena onda y emotivo. Algo para cantar antes de dormir, antes de que el día se terminé por completo, antes de que esta etapa se dé por terminada para ingresar a una nueva… En ese sentido, sería un muy buen simbolismo. No hay mucho por describir aquí. No es muy memorable, aunque no deja de ser enternecedora. Aceptable.

"Y aunque muy lejos tú estés, yo a tu sombra cuidaré. Siempre a tu lado estaré"

Y así termina este disco icono en su época. Si lo notaron, trate de ser lo más objetivo posible a la hora de analizar este álbum… Y por lo mismo, no existió alguna melodía con el mérito de ser “Excelente”. Así mismo, tiene el mérito de no tener canción mala, ni de relleno (o algo así). Eso sí, cabe destacar que Mi Sangre fue tan exitoso en tierras internacionales; que llegó a varios rincones de Europa (como Italia y Alemania), además de rincones totalmente inesperados (como la tierra del sol naciente). Sólo para agregar.

Me es difícil calificar esta pieza por el hecho de que mi subjetividad puede influir demasiado en la nota que le otorgue. No obstante, aquí les dejo la calificación que recibe el tercer trabajo discográfico de Juanes. Así que, ahí vamos à

ESCALA DE CALIFICACIÓN: -4 (Indeseable) ****** 0 (Común, Punto Medio) ****** 4 (Excelente)

Valoración Final: 2,7… Mejor dicho 3 (Tres). Sorprendente, muy bueno. Tiene una calidad más notable que diversos discos de pop rock que se hicieron por esta época. Refleja distintas aristas de una misma realidad: Pasión, Ternura, Esperanza, Violencia, Traición, Sensualidad, Nostalgia. Todo eso sucede en el contexto que Juanes nos entrega de una manera sintetizada. Eso sí, no es un disco dedicado exclusivamente a la crítica social… Es más, si buscas eso por aquí, este no es tu álbum. ¿Existen detalles que impiden que esta pieza alcance la excelencia? Sí, ahí están algunas contrariedades, algunos agregados innecesarios, etc. ¿Merece su reconocimiento? Totalmente. Es uno de los álbumes que más influenciaron la primera década del siglo XXI. Lo recomiendo para los que quieran descubrir más matices fascinantes del pop rock latinoamericano.

Listo. Gracias por la paciencia para esperar estos artículos. Nos vemos en el especial del tercer aniversario de Ya viene… Todo a su Tiempo. ¡Hasta la otra!


13-5 8-1-2-18-9-1 5-14-3-1-14-20-1-4-15 5-24-20-1-19-9-1-18-13-5 3-15-14 20-21 19-15-14-18-9-19-1  [A1Z26 Cipher]

“Ahora el fin marca un nuevo inicio”